文字: 周力德
網站: 文化部log

保持熱情，但不能只有一把火

雖然環境如此嚴峻，但仍有許多年輕人對於電視編劇這一行躍躍欲試。在此建議諸位年輕朋友，如同世界上任何工作，如果你想從事電視編劇，熱情最重要，而且不要被挫折打敗，更重要的是，你要找到維持熱情的方式，隨時為心中的火焰添新柴，更別輕言放棄；相信自己、堅持到底，一定可以闖出一片天的。

對編劇菜鳥而言，最有效的精進之道在於：腳踏實地去寫。不妨選一個口碑不錯也能打動自己的劇本，將每一個分場給分析出來，抓出每一集的主題，如此練習幾遍以後，便懂得如何分場與分集了。基本上，只要每一個「有感覺」的人，都可以寫劇本，最怕就是對任何事無感，看報章雜誌、網路文章都沒感覺，也不覺得有什麼話好說的，如此一來劇本其實也可以不必寫了。

想要練好基本功，電視與小說是不能不看的。例如北川悅吏子的《美麗人生》、《Overtime》，是很棒的電視作品。此外，多年前在台熱映的《孽子》，電視劇本也很精采，而這一兩年，日本小說家吉田修一的暢銷作《惡人》，是很值得推薦的長篇小說。

關於你不知道的電視編劇，現在你應該知道一部分了（請注意，是部分而非全部）！總之，無論你在做什麼、想做什麼，保持熱情！


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文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca



時間：2011.9.16 7:30PM
地點：再現劇團藝術工場
名稱：再現劇團  迷彩馬戲團 beta版


這齣戲叫做《迷彩馬戲團 beta版》，原因是作品還在發展中，正式演出將會在12月舉行。此次先找群觀眾做階段性的呈現，並透過跟觀眾的互動，希望激起不同的創作火花。要說它是預報文，好像也不完全符合。不過，似乎找不到更好的解釋，哈哈~

再現雖然已成立好一段時間，但做戲都慢慢的，這齣《迷彩馬戲團 beta版》才算是第三號作品而已 (前兩部為《關於洛芙的15首》與《第八日》，可參考再現官網 )。走下樓梯、領節目簡介與椅子、踏入劇場對齊格子坐好，觀眾動線是被限制的。演員黃民安站在舞台中央，腳踩著畫有青天白日旗的拼貼地板。雖說沒有刻意營造嚴肅氣氛，但觀眾已經很乖的，連上廁所都要舉手問班長了。

《迷彩馬戲團》是個當兵的故事，編導是這樣說的：「當兵就像是有一個東西，你知道它要來了，但卻不知道那是啥。」再加上每個人都會說：「你就是去放空、裝笨，熬過去就是你的了。」那...當兵究竟是怎麼一回事？當中的制度與價值觀又是否都是假的？所以，編導去實地取材了！(哈哈哈~)

衛兵站哨、莒光園地、國軍救災等常見的名詞，連沒當兵的女性朋友都很熟悉，一一在劇中出現。或許軍中生活相較於一般生活，真有其荒謬性。所以，這些橋段看來，都誇張的令人發噱。什麼權威、服從還命令的，都只是紙上教條，「混」才是生存的最高指導原則。因此，當有人認真做事，好笑；有人打混摸魚，也好笑。哎呀，怎麼可以這麼矛盾？我都不知道該笑還是該哭了。

剛提到的是外在情況的衝突，阿兵哥本身呢？每天開心自在的「混」，好像也沒什麼壓力。在這個時間跟空間都被模糊的饅頭日子裡，唯一值得期待的退伍令，卻總是在遙遠的彼方，只得每天嘻嘻哈哈、自己找樂子過。一方小小的床鋪，就像是限制住自己的牢籠。燈一暗，各式負面的情緒都跑出來喘氣，掙扎著、想望著，明天......(請搭配《如果還有明天》一同服用)

此次的演出只是beta版，但概念與劇情內容已相當豐富 (註：原本只打算演40min，沒想到竟然演了一個半小時 XD)。精準的喜劇節奏，讓席間是笑聲不斷。演出後的座談問到，這樣的故事走向是否會流於「笑過就忘」的尷尬？「讓觀眾容易理解」與「自身創作的堅持」之間，分寸真的很難拿捏 (OS: 好，我是奧客 XD)。離正式演出還有一段時間，就看劇組要怎麼調整了。

我在星期五晚上看《迷彩馬戲團 beta版》，同一周的星期二晚，才在跟兩位朋友討論「劇場有劇本荒」這件事。問題來了：「請說出五個新生代的劇場編劇？ (若我們把新生代定位在七年級生的話)」三個人最先想到的都是蔡柏璋  (《K24》、《Re/Turn》、《木蘭少女》等)，然後我想到了Birdy (《愛錯亂》、《我為你押韻 - 情歌》)。接著，就卡住了 Orz......

不過，過了周五晚，倒是可以來列個「值得期待的七年級劇場編劇」，《迷彩馬戲團 beta版》的葉志偉會榜上有名！

所以，麻煩翻開你的行事曆，或是滑動一下你的手機，來到12月16~18日那個星期。對，請預留一下你的「史給久」，到台大劇場看《迷彩馬戲團》正式版唷！

◎ 演出時間：2011/12/16~2011/12/18
◎演出地點：台大劇場
◎ 編劇/導演：葉志偉
◎ 演員：朱安如、黃兆嶔、黃民安、劉宇晏、范植強、王肇陽、李建佑

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文字: coolmoon
網站: 我乃文字

不知道怎地我想起義大利劇作家皮蘭德羅(Luigi Pirandello,1934年得諾貝爾文學獎)的《尋找劇作家的六個演員》。眼前正有十名渴望著一個好故事的台灣演員，加上一位美國導演馬龍(John Maloney)，從沒有主題開始，集體創作出一部戲，好讓自己可以演個過癮。



→ 這是皮蘭德婁。


← 邱安忱

這是繼《飛天行動》之後，這是同黨劇團再度邀請美國導演合作。近十年在美國百老匯、外百老匯執導過戲劇、歌劇、音樂劇、舞蹈作品的導演馬龍(John Maloney)以「觀點訓練」(view point)為方法，十幾名演員參與文本發展，其中不乏劇場資歷超過二十年的資深演員，如邱安忱、黃捷菲、姜富琴……(但他們都還很年輕，真的！又註：婕菲只參與發展沒演出) 。六月底開始工作文本、八月底進入排練、本周五就要在牯嶺街小劇場首演。《夢之島》千呼萬喚始出來，周日晚上，小編終於看到了《夢之島》的整排。

← 洪珮菁

基本上《夢之島》揉合了好多人的夢境，有人深深陷入夢裡，發現另外有兩個自己；有人是夢中人；有人始終徘徊在夢境之外。整體節奏快速、對白幽默、頻繁變化如夢境、又不時流露出人生的荒謬。基本上表演寫實而不抽象，但以夢為主題，使得它有時帶有超現實色彩。詹子嵐設計的舞台將會有許多彩色塊體，底下裝輪子，在劇場空間自由流動，迅速變換場景：床上、機場、飛機上、圖書館、大街上、片場、婚禮教堂……。

→ 王珂瑤

站在預報的立場上，為避免洩漏劇情，小編只能以問題代替答案：你想想，一個城市上班族現實最大夢靨是甚麼：家裡出現陌生人？在街上撞見死人？工作搞砸？在公司隱形？走到圖書館翻每一本書都是空白的？或是一個電視新進演員最害怕的現實：資深演員的冷嘲熱諷？導演的不知所云？已經喊開麥拉了，可是妳還不曉得要演哪一場戲……。或者要結婚的人，都到婚禮前夕了，還不確定自己選的人對不對。大家都會跟妳說：一定要幸福喔一定要幸福喔，這是不是詛咒？

→ 這是卡夫卡。

夢往往是現實的誠實反射。像卡夫卡的小說一向有如夢境：有一天早上醒來，自己就變成了一條蟲……。每個人都說你犯罪，只有你不知道你做錯哪件事……。可是從來沒人說他是奇幻小說家，大家都認為他是嚴肅作家。

《夢之島》也有奇異的夢境，可能是噩夢，但不是驚悚劇，也不至於像電影《醉後大丈夫》那樣狠狠比誰的人生最慘。帶有一種輕快的喜劇感；但對白又帶有嚴肅劇的象徵意味。

← 謝靜思

我想，只有一件事是真正恐怖的：當你活得荒謬絕倫，卻發現這不是一場戲，也不是一個夢，全部都是真的，不可能再重來……。在這種事發生以前，先來看《夢之島》吧。你會慶幸這幸好只是一部戲。寫到這裡小編也很慶幸還沒有洩漏劇情(真的嗎？)。

最重要的是建議觀眾自己走進劇場，看演員如何精準詮釋這些角色，看顛倒如走馬燈的夢境如何流暢地在黑盒劇場裡發生，還有所謂「觀點訓練」(view point)，在這齣戲裡發揮了甚麼神奇效果？在我看來，十幾名愛演戲的演員，終於找到一個故事裝進他們的夢想，由自己來演，這已經是一件超「夢幻」的事情了。

註：「觀點訓練」(view point)是一種訓練表演的方法。小編去聽了導演半堂課，約略知道這是讓演員以身體對空間、物件、語言、動作、重複、延續、動線等等，隨時保持敏感，給予回應的一種訓練。

《夢之島》演出：
9/30-10/2 牯嶺街小劇場
同黨劇團

導演理念(含八折優惠的秘密)

買票去



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文字: 吉米不蘭卡
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時間：2011.8.26/27  7:30PM
地點：台北市中山堂
名稱：廣藝劇場  李泰祥經典歌曲音樂劇  美麗的錯誤

該要怎麼下筆寫《美麗的錯誤》的心得，讓我好掙扎呀！

《美麗的錯誤》是不是個好作品，端看你用怎樣的角度來看他！若把它當成是音樂愛情故事，甚至是音樂會，那的確有好聽的歌，也有唱得好的歌手，畫面也都柔柔美美的。但若是用音樂劇的角度來看，《美麗的錯誤》就真的是個錯誤了。

還記得看排時 (看排預報)，我舉手提了個問題：「整齣戲就這樣穩穩的過去了，沒有什麼起伏耶」。這個問題，從當初劇組回答的狀況可以推知，這是個known issue。等到正式演出，本想說搭上多媒體背景與燈光，會讓場面活絡一些，結果，唉...8/26 星期五晚上的投影只能用「慘」來形容 (跳出數次電腦作業畫面)。隔天，8/27 二次進場檢驗 (註：8/26為看排的回饋票，8/27則是我自己本來就有買的場次)。很好，技術問題修掉了。但空虛的投影，只簡單打出散落的音符、如藤蔓般的枝葉蔓延等，並沒有為作品加分多少。

若排除劇場相關問題，《美麗的錯誤》的確讓我更了解李泰祥老師的作品。或許，文本上的編寫讓人無法完全認同：帥氣作曲家不停追地求女人，甚至一個換過一個，只為了尋找心目中的謬思女神。但對照李老師的人生，風流韻事一直是為人討論的部分，就暫且不向下挖掘了。

所以，回到最一開始，若你將《美麗的錯誤》當成是音樂愛情故事或音樂會，這作品確是合格的。

好，接下來要講不好聽的話了，而且是非常的不好聽。

接連看了四齣相同班底的作品：《四月望雨》、《隔壁親家》、《渭水春風》、《美麗的錯誤》，我只能說，作品的形式大同小異，沒有特別的新意。似乎已到了一個瓶頸，無法再突破。歡愉的舞、悲傷的舞、憤怒的舞，排起來的畫面雖是平穩好看，卻如出一轍。而幾乎固定的演員走位，更鎖死了舞台上應該流動的生氣。不可否認，這樣的編排很安全，演員也能好好地安心唱歌，票房更是一直有觀眾買帳。

但是，劇場該是個充滿創新與驚喜的地方，除了要能廣納新的觀眾，也要能挑起舊觀眾的好奇。我不希望台灣最有規模的(算是吧)音樂劇團被就此定型，它溫和過頭了。我希望它是衝突的、碰撞的，打破一切樣式與規則的。雖說江山代有才人出，長江後浪推前浪 (Ex.《木蘭少女》、《小‧情歌劇 第一回》)，但我並不希望前浪就此死在沙灘上呀...

劇的製作可以做大，但不可以變成不會跳舞的大象。請趕快找回你的火種源，製造驚喜吧！

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文字: 吉米不蘭卡
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時間：2011.9.23 7:30PM
地點：363小劇場
名稱：外表坊時驗團  鬼扯 

(註：此次9月的演出為今年度的加演，上圖為首演海報)

對王世緯的第一印象是在2010年初的《陳清揚》，雖說沒有很喜歡這作品，但在心得文末寫著：「若是想單看演員的精采演出，這戲是值得投資的！」她一個人不知道講了幾萬字的劇本，還都是滿滿的複雜辯證，再加上濃艷的大紅口紅，讓我記住了這個名字。接著，就來到了前不久的《百年復甦》。漂亮的肢體，飽滿的能量，充份表現了隱瑞妮這雙面繆思的殘酷與柔弱。

怪了，怎麼演的都是苦命奇情的女子？本人明明就超爽朗搞笑的，反差好大。不過，《鬼扯》倒是滿足了我的願望，不但被嚇著了，也大笑了 (其實世緯是諧星？)

《鬼扯》改編自《靈界的譯者》一書，書中描述擁有通靈體質的索非亞，從小幫忙鄰居看房收驚，少女時期則在道場幫忙看病解厄。後來因為一場權力鬥爭，她失去了依靠的鬼朋友們，漸漸淡出道場。最後，在宗教中找到寄託，成為穆斯林。同時也因熱愛棒球，投身棒球裁判訓練，是台灣首位女性棒球主審。

回到《鬼扯》本身，它並沒有完全按本宣科。在講述索非亞的故事時，同時多了一條支線：一個在遊樂場扮鬼嚇人，卻不小心真的嚇死人的鬼屋員工。所以，兩條平行的故事線多了層相同的關係：員工想要擺脫那張被嚇死的人的臉孔，索非亞則想要擺脫與生俱來的宿命。

有趣的是，當觀眾進到劇場，只見世緯靜靜地在舞台上的小桌前梳頭。然後，以一個演員的身分開始說故事。這時候，究竟是王世緯自己在說話？還是劇中那個扮鬼嚇人的員工角色在說話？我無法分辨。也罷，這世界本就是真真假假、假假真真。靈媒的話，往往遊走在現實與虛假間。就如同當下所處的劇場，不也是另一個讓人目眩神迷的虛幻時空。

說書人、鬼屋員工、小女孩、外婆等角色不停地在王世緯身上變換，不管是聲音語調、肢體表現，區隔都相當明顯，演員對自身的掌握很有自信。幾次與觀眾的互動，也都自然而然的發生且融在劇情裡。像是開演後的首次開放晚到觀眾進場，跟著演員的眼神與動作，我們可以感覺到，今晚來看戲的，不是只有我們而已。看她忙碌認真的訂票、安排座位、告知注意事項 (Ex. 要把「頭」放在頭上，這樣手才能空出來鼓掌)，一股莫名的詭異感就這樣毛了起來。

故事裡總共有兩個「鬼真的離開 (我個人稱之為：True Death，真實的死亡)」的橋段，一個是親情，一個是夾雜著些許愛情的友情。雖說我之前已先行到索非亞的Blog作過小功課，知道故事接下來的發展，但真的看到演出時，不管是那捨不得可愛孫女的祖孫情誼，或是那用力尋找李保延的聲聲呼喚，都著實讓人起雞皮疙瘩。

青年書生鬼李保延奉天帝之命，下到凡間與索非亞共同為眾生看病。本是無慾無求，卻被捲入一場權力鬥爭。只見索非亞到處敲門，想說李保延應該會躲過此次劫難，好好的在某扇門後等著。但，從此再也沒人應門，魂飛魄散，一點影兒都不留。

這個橋段是整齣戲的最高潮，也是我被嚇得最認真徹底的地方。之前的裝神弄鬼、步步逼近，都還只是偏形式上的運作 (Ex. 利用有時間差的魔鬼燈作出飛頭特技、音效與觀眾席間的振動)。故事走到這裡，我真有一種索非亞 (又或者是演員王世緯) 瘋了、無所謂的感覺。從最一開始的憤怒，到後來的慌張、漫無目的、自暴自棄，甚至是爬上窗戶作勢向下跳等。演員在此時，已經被角色入了魂、上了身。所以，我被嚇著了！「鬼神之於靈媒，就像角色之於演員」，中間的翻譯關係耐人尋味。演員讓角色活靈活現，靈媒讓鬼神的存在更加真實。或許我不盡信鬼神之說，也無法正確估算角色與演員間的詮釋拿捏究竟是幾分，但在我眼前的，卻是失去支柱的索非亞無誤。

遍尋不著李保延的索非亞，在劇末開啟了有光透出的那扇門，無數的彩色小球湧進，就像是過往的回憶，如潮水般拼命灌入。五顏六色的球，代表著過往生活的五味雜陳，而怔怔地望著門那端的索非亞，複雜的表情若有所思。這是整齣戲顏色最豐富、也是最光明的橋段，但卻有著讓人一言難盡的哀戚與無奈。

你 / 妳看見了什麼？

我很喜歡《鬼扯》善用363小劇場的地利之便，一打開窗的文湖線軌道，偶爾出現的捷運列車，讓緊閉的黑盒子劇場與驚悚鬼怪的故事，有了都會感，也模糊了虛幻(劇場)與現實。幾次藉由窗外霓虹而自然形成的演員剪影，像是靜靜一人在等待著些什麼，突顯了故事主角的孤獨與寂寥。

沒有華麗的排場、繁複的機關，也沒有難懂的劇情、自溺的對白。一則簡單的故事、一位優秀的演員、一個具巧思的劇組，就足夠讓《鬼扯》，非‧常‧迷‧人！





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文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca



時間：2011.9.12  4:00PM
地點：三級古蹟蘆洲李宅
名稱：莫比斯圓環創作公社   十牛圖

剛結束今年藝穗的看戲行程，急忙奔到蘆洲看戲去。蘆洲李宅是座古樸的大宅院，有片池塘與大草地，靜靜地隱身在巷子裡，宅院裡的工作人員皆穿著民初時期的墨青麻布衫。路癡如我，在捷運站附近轉了幾十分，最後是叫了小黃，一路狂奔進宅院，根本就是個闖進不同時空的莽撞小孩，哈哈！

莫比斯圓環創作公社的作品總給人很哲學、很儀式的感覺，是個風格獨特的劇團。《十牛圖》本是用來說明「禪」的修行歷程的十幅畫，每一幅都有其標題與搭配的七言詩。乍聽之下好像很困難，不過不用擔心，我這個不懂禪的人，放空了心跟腦，讓故事慢慢道出人的追尋與慾念，也揭開《十牛圖》的奧秘。換句比較常聽到的話來解釋，就是「見山是山、見山不是山、見山又是山」的境地。看完了《十牛圖》，說不定也領略了些皮毛，放下了些汲汲營營的想望。

結合古宅本身的環境，將演出分成三部份。

第一回合，下午4點開始，搭配漸漸入秋的涼意，觀眾就坐在進宅院後的左右兩塊草皮上 (有小椅子跟小竹蓆)，一邊溫暖的曬太陽，一邊聽著又說又唱又逗的胡撇野台戲。這台戲，不完全是演的，而是有點說書式的，夾帶著鬥嘴、胡鬧與漫才的味道。各式各樣的人，一個個出現：說書的演員、原住民、畫圖的老太太、編劇、外文老師等，都在追尋著些什麼，正好說明了十牛圖中的第一到第七幅圖。只是，這群人兒串場追著的內容，竟然可以串進台灣不停被侵佔的歷史、種族間的關係、政治角力鬥爭等，看得我是鼓掌叫好，在場邊笑彎了腰。

在這裡，觀眾可以聽到由各式樂器與器具，搭配人的聲音所製造出的天然配樂，還有吐槽時精準的電子音！對了，不時還有個扯著嗓子邊跑邊叫喊著的聲音，是個剛失戀的她。一群人為了幫忙，做起了人間情愛的戲劇治療。在羅密歐與茱麗葉的扮演中，了解到人總是透過框框在看世界，讓自己一直處在受苦的環境。換個方向看，改個角度想，其實就豁然開朗了。就如同一開始演員所飾演的"Frame"，當下還覺得荒謬，卻正巧提醒了我們這簡單卻難參透的一點訣。

第二回合，我們親身進到古宅，用各式的感官：聽、看、一同參與，感受這宅邸老老的靈魂。宅院裡，有著保留完整的房間，擺設著使用過的器皿，牆上的說明述說著李宅過往的歷史與輝煌。我們跟著宅邸中央的大鑼響聲，一同呼吸脈動。然後聽音辨位，發現有玩躲貓貓的孩子、打坐禪定的高僧，還有中西合併的輕聲吟唱等。尋幽探空，好是悠閒自在。

最後，第三回合，來到外頭的大草坪。或坐或躺，聽著老人家彈古琴、唸古調。接著，轟隆隆的擊鼓聲，配著歌手們的半即興哼唱 (註：歌手的種類很多，原住民、喉音與西方歌手)，一起對著天與地，逍遙暢快的唱歌跳舞，回歸到「我就是我」的狀態。就把握當下吧，咬一口好吃的廣式月餅，喝一口回甘的涼茶，再來個寫意的沙畫做總結。人生呀，就該捧著快樂過活，別因過度的執著而失自己：「露胸跣足入塵來，抹土塗灰笑滿腮。不用神仙真秘訣，直教枯木放花開。」

好啊！好啊！

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文字: 斯建華
網站: 斯建華的BLOG

又一個不好用新劇場

幾年前對岸要蓋100個一級的文化中心，台灣相對應提出要在北、中、南蓋5個像國家劇院等級的「國家」級文化中心，現在大陸各地蓋好用的新劇場蓋上癮了，聽說目標上修為200個，而我們還是一個都還沒有，日前我被通知下南部去看這五個「國家」級中的其中一個，看看明年去那演出的可能性，我滿心期待的帶了相機、雷射測距儀、捲尺、皮尺及場地調查表格下南部，跟著公部門的長官一同去視察及場勘，到了現場其實還是工地，戴上安全帽拿了資料，邊看邊覺得有些空間數字好雷同，到了滿布鷹架的舞台上，當我將雷射測距儀往舞台上一放，對著上方只有鋼樑還沒有絲瓜棚的grid一量，數據出現2045時我背脊一陣涼，直接開口：完了，高度不夠吊桿飛不掉。

舞台地面還是水泥，還有之後要架高的舞台，如果扣掉吊桿上turnbuckle距離，扣掉消防灑水器的噴頭高度至少要扣個1米，結果廠商在旁對我的擔憂提出解釋，說灑水裝置是在grid上方而不是下方，turnbuckle也會改方式大概可以省50公分，我說我知道就每個吊點加一個滑輪，將turnbuckle改成橫的，日本劇場高度不夠常用這招，我問pulley(滑輪)在grid地面還是天上？施工廠商說是在天上，我心想那幹嘛要改變turnbuckle方向？如果pulley(滑輪)在grid地面改變turnbuckle方向是可以省50公分，可是pulley(滑輪)在grid的天上，turnbuckle還沒撞到pulley(滑輪)吊桿就會碰到grid，所以不是飛不掉的吊桿都是改變turnbuckle方向就可解決，我再問fly的揚程有多少？施工廠商回答18米，先不要管這該死的18米會讓大多數演出吃盡苦頭，如果問題不在鋼索這端，那決定吊桿揚程（上下移動的距離）的結果其實就是天上的主滑輪與地上的地板滑輪之間的距離，扣掉重鐵架的長度及操作繩收尾打的繩結後的距離，因為現場根本連grid都還沒蓋所以也不知道天上的主滑輪會裝在grid上方多高的位置，只是希望到時候不要連18米的距離都走不完。

我們正常使用的標準布幕例如進口黑紗白紗高度都是10米半，之所以會到這個高度就是為了怕穿幫，如果布幕離沿幕較遠，沿幕設定的高度又較高（例如離地高度在850或以上），布幕高度不到10米半就有可能看到布幕上方的吊桿，大部分的情況下沿幕高度不會超過9米，因為沿幕在9米高燈桿要不穿幫可能已經要到10米半或11米，那已經快超過調燈梯的高度極限，所以這是為何標準布幕高度是10米半的原因，照資料上舞台架高20公分，吊桿最低離地120公分，揚程18米，意思是吊桿飛到最高位置是1920，扣掉布幕高度1050只剩870，這個高度隨便也穿幫或是擋到燈，否則布幕高度做9米高就好啦，幹嘛要做到10米半高？更氣的是又看到資料上的舞台鏡框高度可從13米~8.5米高，又是個十竅通九竅的想法，既然是可調整式鏡框當然是當成第一道沿幕使用否則幹嘛要能調整，就像國家劇院的燈光橋一樣，但是降到最低才8.5米肯定下舞台吊桿全穿幫，還是要犧牲一桿掛沿幕，然後又看到資料裡的音響反射板吊桿，又是個四不像「多功能」其實什麼都不太能的畸形劇場，還是「國家」級的吊桿飛不太掉的劇場，看著一堆熟悉的空間尺寸數據，永遠都是那些不夠高不夠寬的空間設計，還都很雷同，要「參考」也稍微挑正常的劇場參考嘛，還是我們其實是哈比人國家，這樣已經夠用就好？

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文字: 于善祿
網站: LULUSHARP



時間：2011年9月15日，週四19:30
地點：優人神鼓山上劇場
演出：優人神鼓《感光‧優》




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文字: 周力德
網站: Messenger's Blog

電話多晚都要接

編劇的收入因人而異。一齣單元劇，平均行情是5-10萬，當然也有比這更高的價碼；如果是八點檔，寫手的行情是每小時七千到一萬（每小時戲大約要寫25-30頁的A4），也有人每小時可達一萬五；行情再高點，可以拿到四小時四萬五的酬勞，但這些數字或高或低，須視劇組的情況而定。以上舉出的行情價只是說明了目前八點檔的成本是如何低廉。

因為接案，使編劇的生活看似自由，其實當案子一來，即便是在休息的時候，編劇的思緒與精力都投入戲裡，不見得有多自由。電話多晚都要接，而且掛電話後最好立即工作，然後回信回稿；如果想睡到早上才起來工作，可能會挨罵。寫作時，腦袋不可能始終保持充沛的能量，靈感也不可能隨叫隨到，如果接到一個很無感的題材，便需要努力去挖出資料、做足功課，尋找自己可以切進去的點，不然很可能停在原地空轉，什麼都寫不出來。

兩條路可以變成A咖編劇。第一，戲的收視率高；第二，戲得了金鐘獎。如果戲的收視率高又得金鐘獎，那要想不當A咖都很難了，例如《痞子英雄》的陳慧如，這是她第一次寫電視連續劇，戲叫好又叫座，因而受人矚目，獲得了多方邀約。但，無論編劇是大咖小咖，應該抱持的工作態度卻是大同小異。首先，孤獨地面對電腦與解決問題；一個人無法忍受孤獨的坐在電腦螢幕前敲打鍵盤，是很難當編劇的。其次，無論劇本寫得是否令自己滿意，千萬不要遲交。再其次，無論心情好壞都必須接聽電話，除非是不想幹了（但就算是不想幹了也要跟人家說一聲吧，這是做人的基本原則）。

沒有不趕時間的製作

為什麼一直強調要接聽電話？因為電視劇很講究時效性，而透過電話彼此溝通是最有效率的。根據經驗，沒有哪一齣電視劇不在趕時間，每一檔戲都有時間壓力，身為編劇，要想辦法在有限的時間內構思最好的內容，同時做好被打回票的心理準備。如果能照自己的心意寫完交稿，那一刻是最喜悅的，但這一行因為流動率高，同一齣戲換好幾位編劇是家常便飯的，因此能看見片頭或片尾字幕打上自己名字，心裡會感到十分欣慰。

國內目前沒有編劇工會。別說是勞、健保了，編劇有時還會發現自己的作品被冠上別人的名字。改進之道或許可以借鏡於美國作家協會（Writers Guild of America），它為作家的作品建立了登記制度。例如當你寫完一個作品，例如詩或小說或劇本，你可以上網站登記，以確認作品的完成日而保障了智慧財產權。如此一來，作品萬一被人盜用，便可以此為憑，證明你的作品完成於被盜用之前，是別人盜用了你的作品。可惜國內沒有類似的機制，而且也不承認著作權是屬於編劇的。如果一名電視編劇堅持自己擁有劇本著作權，惹來的會是這樣的論調：「這個劇本從發想到修改，經過多少次編劇會議，包含了多少人的智慧與心血，你怎能說劇本只屬於你呢？」

這是電視劇的製作環境，也是電視編劇所置身的現實。


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文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca



時間：2011.9.10  2:00PM
地點：台北國際藝術村幽竹廳
名稱：2011臺北藝穗節  綠果實劇團  仨

這次是第二次看綠果實的演出， 比起去年的《不見？不散！》，今年的《仨》成熟許多。

《仨》有三個支線 (人數各是三人)：愛情 (一男二女的三角戀)、友情 (三個年齡性別不同的好朋友)、親情 (姊妹情誼)。這三組人在生活上稍有交集，卻又獨立發展各自的故事，在劇裡的分配比重是差不多的。藉由共同的場景：機場與咖啡廳，讓三個故事互相穿插，清楚描述每個角色的心情與感受，敘事流暢舒服，偶爾還帶點誇張可愛的笑梗，是個很不錯的作品。

從《仨》的劇情來看，應該是偏寫實的劇本。但演員的詮釋方式卻會偶爾過了頭，用力過重，讓觀賞時會有點被壓迫的不自在感。像是一開始愛情組的學姊學妹的機場接機，在機場又抱又叫，一開始還玩起躲貓貓，就一般人而言是不太會瘋狂這麼久的；友情組幾個橋段的表現也偏漫畫等等。不過，友情組的演員默契很好，三人爭執的台詞是互相丟來丟去的，都沒有掉拍。整體來說，演員的表現相當不錯。

此場演出除了基本的9人外，幾名黑衣crew也下去串場，擔任機場地勤、咖啡廳員工與情侶等角色。雖說部分橋段是有趣好笑的，但黑衣crew的口條與肢體都略遜一籌 (或許是比較新的濾光表堂學生)，違和感就自然而然的產生了。

結束時，演出的所有工作人員都上台謝幕，舞台上滿滿都是人，讓我驚訝於龐大的製作團隊。若單以二號與三號作品做比較，兩者間的大幅成長，讓這個團是值得期待的。

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預報記者：薛西


《迴夢Lalaksu》讓少年、青年、晚年時期的高一生同時出現在劇場，夫人與女兒，族人與長老，以及高一生的獄中書信交叉穿插其中，緩緩雕刻高一生的志願、實踐與磨難。鄒語、日語、普通話三語的輪換，一方面為文本製造多樣的語言層次，也隱喻時代，民族與國家的關係流變。使用大量竹子做為素材的舞台，感受到導演對於原民文化的尊重與體貼。竹材會讓偌大的空間顯得輕盈，隱隱也有一股涼意。舞蹈亦有別原舞者以往之作，原民與現代風格兼具，乾淨明確，不失原性。

文字: 吉米不蘭卡
網站: La Casa de JimmyBlanca



時間：2011.9.8  7:00PM
地點：CP地下沙龍
名稱：2011臺北藝穗節  小朋友劇團  歌聲奇緣

這個場次意外的沒有很多小朋友參加，但觀眾的反應依然熱烈！

一個背著烏克麗麗琴邊走邊唱的女孩Canta，歌曲卻一直都唱不完，因為歌曲中有某些字不見了，只能blabla亂唱。所以呀，要大夥兒跟著她與她的好朋友，一起找出那些不知道跑哪兒去的單字，好讓她能完成她的歌。

CP地下沙龍是間圖書室，周圍擺滿書架跟書。觀眾坐在空間的正中央，隨著故事發展而環繞空間一圈。四周有簡單塗鴉的道具：花草、池塘、木橋、井等等，當然還有童話故事裡會出現的森林。在Canta尋找的過程中，我們跟著她的好朋友 (她是可愛的金髮小公主)，一起唱歌做動作：拍手、跺腳、搖屁屁。大概是我還童心未泯，所以玩得不亦樂乎。

故事設計Canta與朋友從早找到晚，還讓Canta找到字之後，很可愛的「吃下字」 (應該是糯米紙)，藉此得到字的力量。然後再將字的紙板放進大大的歌詞看板裡，試著兜著唱著。演出很適合剛學英文的小朋友，用生動活潑的方式讓參與者跟著一起探險。最後，在Canta “Over the rainbow”的歌聲中，結束這場可愛的旅程。

兩名演員有趣的表情與俏皮的肢體動作，讓人自然而然的可以融入情境，不會覺得奇怪或害羞。演出結束後，我還一直沉浸在天真的氛圍中，久久無法抽離。

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文字: 謝鴻文
網站: 兒童節的派對

◎第一屆中原大學藝術節期許藝術生根

中壢這座大學城裡，除了元智大學行之有年的藝術節之後，今年5月2日至6日，中原大學也舉辦了「第一屆中原大學藝術節」，活動以全校師生為中心，藉由多面向的藝術活動來增進全校師生之人文藝術涵養。

此次藝術節活動，以環保議題為主題進行創意發想，一起動手做藝術、玩藝術、創造藝術，開啟藝術的無限性；並且珍惜資源達到不浪費的精神，發掘回收物品第二次使用的可能性，為地球盡一份心力，張開雙手寶貝地球、擁抱藝術。

活動涵蓋音樂、戲劇、舞蹈、文學各領域，有「十鼓樂團」多樣化的民族擊樂；「聲動樂團」將世界音樂與現代器樂組合，搭配Mia無疆界的絕美人聲，將火舞者以火光舞影勾勒出神秘異境；「光環舞集」 獨樹一格的東方現代舞蹈；相聲大師吳兆南老師成立「吳兆南相聲劇藝社」的說唱歷史；「台南人劇團」以創新實驗的手法，高度展現舞台表演的劇場性；「國光劇團」從古雅傳統中熔鑄現代意識的新編戲；「宇宙光台北愛心合唱團」傳遞愛的樂音等精彩演出。

「主題影展週」則精選四部「創意人生」相關影片。「與文學相遇週」由蔡素芬、南方朔、孫維新、劉克襄、吳洛櫻等人帶領文學的體驗。最後還有配合校牧室活動，舉辦母親節合唱比賽、母親節卡片設計比賽；把母親節結合藝術節，期許藝術在中原生根，打破舊有思維，開創師生想像力、發揮創造力。

◎賴碧霞獲金曲獎傳統暨藝術音樂類評審團獎

甫於4月29日公布的第二十二屆金曲獎傳統暨藝術音樂類入圍名單中，賴碧霞以《送客傳家寶》專輯獲得評審團獎，特別貢獻獎則由作曲家蕭泰然先生獲得。

新聞局表示本屆評審團獎頒給演唱《送客傳家寶》專輯的賴碧霞，評審團讚揚賴碧霞多年來從事客家歌樂演唱及教學工作，近年並整理客家山歌教材，提攜後進，不遺餘力。傾盡一生精力，至今仍帶著強烈的使命感努力不懈於客家音樂傳承，《送客傳家寶》專輯2010年12月才出版不久，是賴碧霞整理之最新作品，此次獲獎，肯定她對客家音樂的貢獻，錦上添花的榮耀反而讓賴碧霞更感恩的想回饋做更多行動，精神可佩！

◎桃園民間文學健將吳素枝辭世

4月27日，桃園縣教育界、文學界慟失了一位菁英——吳素枝。當日上午吳素枝到服務的蘆竹頂社國小不久，旋即請假離去，近中午被警方發現溺斃在竹圍漁港南側水域。由於吳素枝生前曾向家人表示近來工作壓力巨大，究竟是意外失足或自殺身亡，死因仍待查。

吳素枝生於1963年8月12日，台灣屏東人。台東師專畢業後自願請調桃園縣偏遠的復興羅浮國小，桃園這塊土地從此成為她生活、工作及婚姻的所在。台北市立師範學院初等教育系再進修畢業後，2002年又取得台東師範學院兒童文學研究碩士學位，論文題目《謎語猜製技巧與謎語資料庫應用之研究》以各類謎語作品為基礎,歸納謎語的猜製技巧，探討謎語的製作步驟，並結合九年一貫課程建立謎語資料庫。這篇論文研究開啟了吳素枝對民間文學的興趣，爾後參與桃園縣政府文化局民間文學採集工作多時，和其夫婿採集編撰了五本《龜山鄉閩南語歌謠》、兩本《龜山鄉閩南語故事》；2002年又與林素琴、張燕輝合編《逐家來唱歌唸謠：桃園縣閩南語歌謠導讀選集》；與林金城為《桃園个褒歌：註解 釋義 報告 演唱實錄DVD》撰稿，個人閩南語文學創作常見於《海翁台語文學》，投入鄉土母語教育推廣付出不少心力。

此外，吳素枝也熱愛兒童文學。1994年曾以少年小說〈美女先鋒隊〉獲台灣省兒童文學獎。2003年出版了個人童話集《不愛背書的小巫婆》，2003年發表於《國語日報》的童話〈網住太陽〉，被選入《2003台灣兒童文學精華集》。在教育工作崗位上，吳素枝也一直持續推動兒童文學閱讀，2010年才甄試成為小學校長，8月派任頂社國小，主張學生第一、教學為重，同時著重學生團體運作，也積極推動家長與社區共同關懷教育發展，到任不過短短半學期已深得師生與家長好評，沒想到以這種令人錯愕的方式為人生劃下句點，享年48歲，春天的華枝殘斷，留下文學的素美可供回憶。

◎ 刊於2011年6月《文訊》第308期

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文字: 薛西
網站: 我們


讀這個以2001年911事件為模板的劇本時，腦海冒起好些畫面，比如我稀薄的記憶裡彷彿有過這些閱讀印象：法國已逝的社會學家波德里亞（Jean Baudrillard）評價這些阿拉伯世界份子是以自殺赴死破壞象徵體系，突出世界強權的脆弱；反全球化運動健將娜歐蜜‧克萊恩（Naomi Klein）會說，這起舉世矚目的災難，讓美國可以再次借力使力，在國內散佈恐懼，運使慣用的震撼療法，再尋資本商機；更有不在少數的知識份子亦藉此表述美國霸權的陰沉心態，抑或藝術界調侃的，沒有比撞毀當刻的畫面更偉大的錄像藝術云云。

回到劇本本身，後附的法國戲劇界討論此劇的談話摘要，有人評論，「劇本不再單純地預示災難，而是已身陷其中」（p,57），這句話拿來對應文本結構──裡面的眾多角色，包括往生者、倖存者、劫持者（我不想使用「恐怖份子」來形容這群自殺者）、航管、記者，乃至布希和賓拉登，還有提點情節發展的歌隊等，都都是交雜現身／聲，（人物或時間的）視點不斷變換的。認為這個劇本是「對這一天所發生事件的模仿」的創作者，讓混亂的眾聲堆積出層層疊疊的對話結構，或許正是把自己放在一旦「身陷其中」的想像裡，事件當下的人，只會感到一片混亂而已，像是「記者」的一段台詞：


在這一片混亂當中

夾雜著鎮靜與騷亂

還有很多不知所措

我猜，這戲在法國上演時，最令人發噱又引人深思的，應該是收尾的賓拉登與布希對話，前者將此宣稱為一場秉持穆斯林信仰觀的戰爭，後者自詡和平自由的強權，阿富汗的好友，反擊塔利班政權，不會退縮與失敗。節錄一段對話：

布希：哪怕恐怖份子竭盡全力

隱藏得再深

塔利班總有一天要清還

今天的滔天罪行

賓拉登：美國從北到南從東到西

都被恐懼扼制了

布希：我們軍事行動的戰略目標

就是在極大範圍內

展開全方位的圍剿

賓拉登：這就是萬能的主

讓美國開始感受到的滋味

布希：以便把他們從兔子洞裡

趕出來

最終走向正義的審判庭

賓拉登：而這只是美國強加於他人的

痛苦的點滴寫照

布希：同時

白色恐怖下的阿富汗人民

將領略到美國的慷慨

賓拉登：主將毀滅美國的莊嚴使命

交給了一個穆斯林的精英團

布希：我們在進行軍事攻擊的同時

也將空投一些食物

賓拉登：但願主給他們在天堂留了

一個尊位

布希：美利堅聯邦是阿富汗人民的朋友

賓拉登：而全世界陷入了

最大的混亂狀態

叛徒與虛偽四處為奸

布希：我們是全世界近十億

穆斯林教徒的朋友　　　　　　　　　　

但我自己喜歡的，是最後劇作家讓一位職務應該是金融公司秘書的年輕女人發聲，911事件當天，因為丈夫生病而為是否難得的請一天而猶豫的她，原本擔心著當天要召開的一次關乎70億美元的重要談判會議，直到丈夫百般懇求，並要她照照鏡子看看自己蒼白臉蛋的時候，她才說，好吧。

劇作：11 September 2011
作者：米歇爾‧維纳威爾（Michel Vinaver）
出版：中國傳媒大學出版社（2010.11）


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文字: 謝鴻文
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◎善昇美術館開館

繼長流美術館後，經過多年的籌備，桃園又多了一座私人美術館——善昇美術館。善昇美術館選在建國100年的3月17日於桃園市開幕，館長吳善昇表示，這座美術館是他一心想要完成的實業計劃，在家人的全力支持下，善昇美術館才得以提前與民眾見面。成立宗旨主要是提供社區民眾一個體驗生活藝術化、藝術生活化的交流平台，讓藝術文化更貼近於生活，藉此將藝術種子種植在每人心田，豐富人們的精神生活。

館長吳善昇原從事玻璃、塑膠產品設計及生產，退休後才專職創作，在藝術界人稱「吳百號」，因他所創作的繪畫作品皆是油畫100號（182×33cm）故得名，目前為大地美研會理事。
開幕首展至4月11日係展出他的100號油畫創作展，作品主要為他這幾年走訪世界各地的蹤跡，捕捉到最美麗的風情；另外還包括他雙親（父親吳金輝博士、母親吳林編敏女士）的肖像畫作，永恆慈祥的神韻看著後代子孫慎終追遠，以及為藝術播種的盡心。

◎聽塔腳社區區民說故事

觀音鄉塔腳社區發展協會獲得桃園縣政府文化局「第8屆桃園縣活力社區補助計畫」的支持，透過參與式討論，激發居民運用創意，投入社區紀錄及家鄉書寫工作。

過去兩年多來社區居民協力造屋、共同打造社區第一座公園——塔腳森林公園，今年3月4日，社區內又像喜慶般的在塔腳森林公園舉行《塔腳有個邱阿長》新書發表會，場面熱鬧盛大。《塔腳有個邱阿長》這本書的書寫源自去年社區舉辦的「塔腳故事多——話我家鄉‧共繪塔腳」活動，讓居民暢談、細說社區往日舊事，其中最令社區居民崇敬懷念的，就是從日治時代就擔任保正、直至光復仍任村長前後達20餘年的邱阿長。

活動結束後，社區居民咸認為，邱阿長先生愛鄉土、愛鄰人的精神值得傳承與發揚，乃決定出版此書。經由郭朝明、張榮健、莊林乾、李宜蓁、蔡繼裕等人
著手進行故事徵集、採訪、撰文、攝影、繪圖、出版等工作，加上邱阿長的兒子邱家博先生提供相關資料，接受口述訪談，《塔腳有個邱阿長》終於付梓。邱阿長的行誼典範，在塔腳社區居民心中，像春日暖陽，喚起他們更多關懷故鄉與生命的熱情。

◎彭樹君《男歡女愛》訴傷痛愛慾

22歲出版第一本書，成為希代「紅唇族」系列力捧的小說家，迄今20多年來繳出20多本著作的成績，彭樹君的作品產量一直穩定如涓涓小河流淌著，不被報社繁重的編務影響。

春寒料峭時節，彭樹君又集結了13篇小說，以《男歡女愛》為名，赤裸裸地直探愛慾之間的甜蜜與傷痛，一晌歡愛，但不能擁有彼此，這是怎麼的疏離寂寞？不交換任何聯絡方式的交往，不留戀執著，真能全心感受當下嗎？女人渴望在黑暗孤獨的深淵中，遇見了一個帶給她光的男人，但這男人，最後還是將她遺棄，男人是比黑暗更黑的惡魔嗎？隨著文字的流動，一個個疑問生起，也許每個人都曾因愛受傷，但也如彭樹君說的，只有自己，可以在愛中療癒自己。

《男歡女愛》能不能成為一帖療癒的藥方，就看個人的領會，因為荊棘裡的玫瑰，有智慧的人可以感受它的美麗而不被荊棘傷害。

◎ 刊於2011年5月《文訊》第307期

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文字: 于善祿
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時間：2011年9月9日，週五19:30
地點：臥龍貳玖
演出：劉淑娟《蛇的練習》





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文字: 于善祿
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文字: 于善祿
網站: LULUSHARP




時間：2011年9月7日，週三19:30
地點：西門紅樓2樓劇場
演出：黑馬樂園《鬥浪潮》




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文字: 吉米不蘭卡
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時間：2011.9.6  7:30PM
地點：廢墟建築學院
名稱：2011臺北藝穗節  PaPa造劇團  堤摩拉

這是一場演出與空間的完美結合，血腥、黑暗、殘酷又性感！

廢墟建築學院是個很特別的場地，整棟建築共有5層樓 (含地下室)。外表就像是路上可見的，正在裝潢的房子，沒有什麼內裝，牆壁還坑坑疤疤的。《堤摩拉》是個為這場地而生的作品，完整運用所有的空間，將故事分成4個章節，分別在1~4樓上演。觀眾的視角雖然因場景不同而時有轉換 (有時是跳脫作品的第三者，有時則是作品裡的參與者)，但這樣的變化是自然的，沒有任何的衝突與違和感。

《堤摩拉》改編自莎翁劇本《Titus Andronicus》，說的是一個復仇來又復仇去的故事。羅馬將軍泰特斯征戰哥德，俘虜了女王堤摩拉，並將堤摩拉的長子活埋作為戰事祭品。之後，堤摩拉嫁給國王為妻，連帶著兩個原是戰俘的兒子也成了王子。為了幫死去的長子復仇，堤摩拉與情夫亞倫教唆兩個兒子強姦泰特斯的女兒拉薇妮亞，並砍其雙手、割去舌頭。泰特斯難忍悲痛，在一次的宴會上，親手殺了身心皆痛苦的女兒。同時跟所有與會的人們宣告，盤中的食物其實是他手刃兩個王子所做成的。

1F，埋下復仇的種子；2F，出現復仇之路的推手；3F，一方復仇的急速開展；4F，另一方復仇的回擊，所有人都成了復仇的幫兇。隨著樓層越來越高，劇情的發展也令人越來越緊張與不舒服。一旁襯著故事進行的音樂與人聲吟唱，更增添了飄渺鬼魅的氣氛。劇組的用心在很多小地方可以看到：觀眾在樓層與樓層間的移動是有劇情連貫性的、小道具的使用也有其理由 (透過小枝葉偷窺堤摩拉與情夫的互動) 等。

我非常喜歡那個看似不在故事中，卻時時出現的純真小女孩。1F的國王囂張跋扈的走出房間，建築物的鐵門緩緩上升 (對，連鐵門都可以當成移動佈景)，一個相較於這個時空的超現實小女孩，在外頭走來走去，引著大家向上繼續挖掘故事。然後，她又靜靜地看著堤摩拉與情夫亞倫的約會，也默默地坐在若有所思的泰特斯旁邊，等待著些什麼。接著，協助拿衣物給半殘的拉薇妮亞，也拿手套 (或是其他衣物) 讓堤摩拉前往宴會。彷彿一切的一切，都跟著這個神祕的小女孩走。演出結束後，觀眾走下樓梯，竟發現小女孩邊唱著童謠，邊玩著娃娃，被肢解的娃娃：女孩將娃娃的手、腳、頭等，一個個的拿出來擺在小桌子上......這驚悚的感覺瞬間直衝爆表！

由於觀眾與演員的距離非常近 (2F & 4F為站席，可自由走動)，所感受到的力量是很強大的。因此，有好些個橋段讓我看得直起雞毛疙瘩。惟獨2F幾場男女的親熱戲稍嫌刻意做作，不夠情慾。既然這戲都這麼的感官直接了，就大膽地放手一搏吧！

《堤摩拉》，一場很棒的演出，一次很滿足的看戲經驗，一個未來非常值得期待的劇組。


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文字: 謝鴻文
網站: 兒童節的派對

兒童劇場需要的「紅氣球」
——偶偶偶劇團《後院的奇幻王國》的啟發


文/謝鴻文

史前時期的人類文明，從狩獵、生食，到從自然取材，將陶土、石頭、木材等東西創造成生活用品，還懂得用火烹食，把文明推向新紀元，此一創造行為，構成了藝術的要件，也宣示了人類與動物的分野。




兒童的身心發展，某種層度而言，也像人類文明歷史的演進。兒童從出生後什麼都不懂的無知狀態，感官逐漸接受各種刺激，大腦活化運作，然後他們開始遊戲，開始在他們的世界製造法則，開始建構他們非語言或語言的溝通，開始啟動他們的認知想像，一個原本無生命的物品，於是被他們擬人化，有了生命氣息，甚至像有意識的存在個體，可以成為他們心理情感依附之所在。

兒童把物品賦予功能與想像的行為，此創造力的表現，為他們打開體驗藝術的第一道門。

法國人類學家克勞德．李維史陀（Claude Lévi-Strauss）曾經說過：「小型物件固有一種美學特質。」這即是小而美的道理，當現在許多兒童劇場喜歡做「大」，以大排場、大道具為噱頭，偶偶偶劇團反其道而行，近年來的作品標舉是「物品劇場」，以各式物品為偶演出，「小」就是他們最明晰的標誌了。《後院的奇幻王國》這齣戲也不例外，把物品劇場具備點石成金的效果發揮得淋漓盡致。

《後院的奇幻王國》這齣戲的故事其實很簡單，兩個女人各自在自家後院曬衣服，不久飄來一個紅色氣球，凡被紅氣球碰到的衣物，瞬間如中了魔法都活起來，例如「求愛」這場戲是男外套、男T恤和女洋裝互相吸引，最後男外套贏取女洋裝芳心，共跳一支舞後離開。由於這一段表現的衣服皆是成人款，因此成了成人世界中三角愛情的指涉；女洋裝跟著男外套走，似有愛富嫌貧，或看重英俊男色的傾向，這樣的價值觀顯現值得批判思考。或如「親子」是一件男外套、女上衣及兒童服好像一家三口爸媽帶小孩出來玩，小孩打一個噴嚏後，象徵爸媽的男外套和女上衣趕緊把自己加在兒童服上面，最後連帽子、圍巾都加上去了，小孩承受不住不禁跌一跤。看到這一段，實也反應了現代父母教養的病徵，即對孩子保護干預過度，使孩子失去抵抗能力，失去面對事情的解決能力，失去忍受挫敗的能力。

這兩段演出，就表演形式而言，對兒童觀眾來說不難懂，也能看出有穿黑衣的演員在操作衣物表演的趣味；然而其背後承載的意涵，其實是很成人觀點的，通常成人觀點介入兒童戲劇中，容易產生嚴肅說教，抑或情節脫離兒童生活、悖離兒童意識，「求愛」便有悖離兒童意識的危險。但這個議題雖然不該是產生於兒童意識，卻又不表示兒童不懂，諸多電視劇裡俯拾皆是這樣價值偏差的劇情描寫，那些被薰染過的兒童，提早接受而世故早熟，這當中有頗複雜的童年社會學現象可再論述，我最直接想到的便是尼爾．波茲曼（Neil Postman）《童年的消逝》提出的基本觀點：電子信息環境正在讓兒童消逝，「成人化的兒童」變成一種常態。

劇場的聲光刺激感受不如電影電視，遂讓「成人化的兒童」很快遠離兒童劇場，因為那已不符他們的慾望需求。長久以來我觀察到台灣兒童劇場的演出兒童觀眾大部分在小學低年級之前，也就是說「成人化的兒童」普遍存在，使得兒童劇場僅能吸引到低幼族群，可是這群低幼兒童，我衷心期盼這個場域還能成為守護他們純真心靈的淨地，讓創作者純粹的創意想像與觀者的想像投入一起激盪共振。所以像「競爭」敘述四件衣物在互相炫耀比較自己的美麗，最後誰也不是最美麗；「友情」裡兩條褲子把曬衣竿當作溜冰場；「樂園」中的布偶使曬衣架幻化成旋轉木馬玩耍；「互助」出現的兩條褲子在狂風吹襲中還能不畏艱難共同合作抵抗強風肆虐……，這幾場戲營造的幻想氛圍，就很契合兒童意識與身心發展經驗，不說教但又將道理融入其中。

1956年法國導演阿爾貝特．拉摩里斯（Albert Lamorisse）執導的《紅氣球》描寫兒童內心的孤寂，把偶然飄飛而至的紅氣球當成寵物，甚至是朋友一般的陪伴玩樂，使得每日單調乏味的生活有了自由喜樂的新氣息。鮮豔明亮的紅色，與氣球的輕盈，充滿活力自在、輕鬆活潑的生命力特質，本來便應該是兒童形象的象徵。只是受了社會、學校、家庭過度的規訓，以及前述電子媒體興盛使兒童過早成人化，因而失去了本來該有的生命力。巧合的是《後院的奇幻王國》這齣戲中引發情節轉變非常關鍵的物品亦是紅氣球，這也算是一種向經典致敬的方式吧。《後院的奇幻王國》裡的紅氣球，引導想像，鬆解思維的束縛，看物品擬人化後拋棄原貌，組織更多驚奇新樣態，紅氣球雖然只是短暫剎那的出現，但在我看來，它形同這齣戲的導演，為我們召喚逝去的童心，為我們的兒童劇場灌注了新鮮飽滿的生命力。

我們的兒童劇場都需要依賴擁抱這個「紅氣球」，而且永恆不滅不破。

@演出時間：2011年6月26日
@演出地點：台北市立社教館文山分館兒童劇場


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文字: 吉米不蘭卡
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時間：2011.8.19 7:30PM
地點：松山文創園區1號倉庫
名稱：無獨有偶工作室劇團  洪通計畫 (Who's Hung Tung)


Note：《洪通計畫》是個結合展與劇場演出的作品，在此僅論劇場部分。此篇文章的劇照皆來自於無獨有偶工作室劇團官方臉書，攝影師為陳又維。


「要說故事，其實沒有，但是要講，又有很多。」這句話在劇的進行中，演出者邊划小船、邊用有韻律的聲音重複多次。回到家後細細沉澱，終於稍稍明白為何如此。《洪通計畫》的英文劇名"Who's Hung Tung"，明白簡要的說出演出目的。對於洪通，一個大家都聽過，卻都不熟悉的名字，怎麼說他的故事好像都不太對？自傳形式太死板，也沒有那麼多的資料。所以，無獨有偶轉了個彎，用迂迴的方式，讓觀眾藉由洪通生長的環境與經歷的事物，認識與想像洪通。

先來提提官方認識的洪通，他是台南縣北門鄉人，父母親在他很小的時候就不在了。由於家境不好，洪通做過多種職業 (包含乩童)，並沒有機會唸書識字。壯年時期返回南鯤鯓，在他50歲那年，突然跟老婆說要全心投入繪畫，老婆就外出打工賺錢養家。洪通的畫總是充滿詭異的人物 (又或者說是鬼)，自創的文字也由奇異的人頭組成。直到1972年，洪通的畫突然暴紅，媒體爭先恐後採訪，原本瘋癲的老頭成了不可多得的天才。這股風潮，讓許多不知道打哪兒來的朋友，騙走了洪通的畫，讓晚年的他越加封閉自己。1987年，鄰居發現洪通死在自己的房間裡，身旁都是蜜豆奶的盒子。

松菸園區空盪的1號倉庫，架起了一座高約1.5~2m的白色長方形高台，長邊最高處與表演舞台同高，兩側朝方形內部，向下做了四個階梯當作觀眾席。短邊則有高聳的燈架與兩個各自向外延伸的斜坡台供演員進退場。這個舞台很簡單，赤裸裸的無多餘裝飾。演員的服裝也都是白色的 (還是古早時期農家阿伯會穿的那種麻布白)，我想，是因為這場演出的演員並不是真的是什麼人，而是用中性的角度，帶著大家前進洪通的世界。

一開場，演員牽著畫有洪通趣味的氣球雲進場，並將雲朵綁在大舞台四周，儀式性的宣告，這是場奇幻的夢境，我們即將到那被黏在一起的時空，探詢「洪通的各式可能」。兩名鳥人肩扛紙紥小屋，緩慢的入場。輕柔的羽翼，翅膀大動作的劃呀劃的，將洪通從其他的世界帶來這裡。你可以想成這是一個奇才的誕生 (送子鳥 XD)，也可以是召魂的過程。而在舞台一側，有著穿戴衣物與帽子都與印象中洪通形象相同的竹竿人。這個洪通偶，除了在旁看著演出進行，也會時不時進到演出，詮釋他自己的故事。總之，一切都這樣神祕的開始了 (不管是戲，或是洪通的人生與畫作)。

好多個滾輪小車車，上頭載著色彩鮮豔的小孩人物滿場跑，細碎唸著「不識字」與「找不到」 (皆為台語發音)。這群孩子說話的聲音像是用唸的，但也像是用唱的，窸窣連續不停，感覺像是存在於不同空間的聲音 (就是驚悚片主角腦袋裡常出現的，有人與他對話的聲音)，在找著創作它們的手與記憶。洪通說：「畫像孩子，會慢慢長大的」。



洪通生前本就是個地方奇人，乖誕孤僻的作風讓他也沒留下多少可供考據的資料。所以，大夥兒開始猜，洪通到底是誰？這個橋段非常可愛，一堆身繪洪通畫作的白色水缸，一個一個的冒出頭來幫大家拆解洪通。還有個手持台灣啤酒酒瓶的人，加入一起玩打地鼠的遊戲，有著很令人懷念的古早童趣味。



場景一轉，我們來到了洪通所生活的，純樸的台南南鯤鯓鄉下，聽婦女邊敲竹桿，邊唸著當時生活的困苦。也到廟口前的野台戲，聽著精采絕倫的台灣傳奇：萬善爺與五王爺的爭鬥。這段爭地蓋廟的奇趣，不僅是說書說的精采，台上的演出也令人目不轉睛。兩方人馬各持竹桿，做出銅板銅針的佔地標誌，也蓋好了兩人自身的大小廟。位在建築物兩側的演員還有著張嘴的誇張表情，好似廟宇屋簷威風的神獸雕刻。


這段演出在竹桿的應用上非常多元，動作的銜接也非常流暢，讓我想起了去年英國合拍劇團的《春琴》。竹桿能以一成萬千，既是手中的兵器，架出不同的多人對戰陣仗，也是舞台上快速造景的好工具。


還記得一開始的小紙屋嗎？那是帶洪通來的交通工具，上頭有著洪通的畫。所以，讓我們穿越扭曲的時空縫隙，又或者是白天與黑夜、陰與陽的交隔，看看這一筆一畫是怎麼來的。舞台中間出現了一座大竹屋，四周都是紙糊的牆壁。場上的燈光昏暗不明，只有屋內透出光線。屋外掛著盞燈籠，還有兩隻不知名的生物在蠕動著，似乎想要掙脫出來。氣氛詭譎，有作法前夕的靈異感。

接著，從屋內慢慢透出黑墨，白色的牆上漸漸有畫作成型。是洪通，以及他那些奇異的人偶與圖形。屋外的變形蟲生物，也發現幾隻突破禁錮自己薄膜的手，向外揮舞著。這一幕氣氛營造的非常棒，不到肅穆、不至恐怖，卻有種飄浮於人間的不真實感。神奇的是，我是專心且微笑地看著每一筆劃的進行。


在通訊越來越方便的現在，Email、臉書、WhatsApp，讓所有人都有發聲且直接follow的能力。只是，「大家都不認真聽別人講話」這個壞習慣，似乎一直都沒有改變。所以呀，我們也要來重新看看洪通的畫，到底藏著些什麼字？有自己的名字，也有日月水火，更有捍衛國家主權的宣示 (Ex. 「香港中國鞋」的台語發音即為「香港是中國的」)。這個橋段拆解了洪通的文字畫，並一一重新組合。藉由演員肢體與手中的筆劃偶，用投影的方式，說著洪通想要傳達給我們的想法：為什麼文字或畫裡有這麼多人頭呢？因為頭是最重要的，畫畫要從頭畫起，做事也要從頭做起。


洪通晚年將自己關在畫室裡拼命作畫，不太與人往來。生前已孤僻怪異，死亡的方式更是充滿神秘 (屋內滿室蜜豆奶盒)。最後鳥人們又扛著紙紥小屋出現，不過，這次是將洪通給載走。畫滿洪通畫作的大水缸，在場上轉呀轉，直到所有人的眼神望向最後一個停下來的水缸：「我看見」。

台灣這座島呀，一直在拆老東西、老房子、老文化。台中的彩虹爺爺，在網路串聯的力量下，其俏皮的藝術作品得以保存。洪通，這個被大家遺忘的素人畫家，卻連作畫的畫室都沒得留下。現代人往往短視近利，為了一己之私或一時方便，開著怪手闖進這些老地方。等到後來想起時，往往什麼都已經沒有了！很多東西，不是非得要有什麼豐功偉業才有保存的價值，而是該想想，在那背後抹煞不去的歷史與故事。唉，寫到這裡，反而讓我想起樂生了......

《洪通計畫》後，再重新去看洪通的畫作，詭異感沒有了，趣味卻增加了。洪通離開人世二十多年，說他是個傳奇，時間又似乎還太短。只願他的天真與神秘，能永遠像舞台上的三輪車一樣，自在地在場上 (世界) 漫遊。

至於戲末最後究竟看見些什麼，我知道，點滴在心頭。

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文字: 于善祿
網站: LULUSHARP
時間：2011年9月10日，週六23:00
地點：曉劇場藝文空間
演出：曉劇場《夏日微涼夜話》



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文字: 于善祿
網站: LULUSHARP
時間：2011年9月10日，週六21:00
地點：牿嶺街小劇場二樓藝文空間
演出：人力飛行劇團、銀翼文化工作室
《星之暗湧2011》



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文字: 周力德
網站: Messenger's Blog

亂改劇本者還包括配音員

在電視編劇動筆寫戲之前，要先開「編劇會議」。該會議可從兩方面予以理解，從正面而言，它確立每一集戲的方向與起迄、討論每一場內容與鋪陳、丟出ideas以腦力激盪、蒐集必要與可用的資料。以負面而言，它浪費時間、聊是非聊八卦、能從早上八點開到晚上十一點但沒必要如此冗長、還得應付一些跳tone或根本tone不合的工作者。

編劇會議開完，編劇回家寫戲。思索幾小時的台詞或者想了一晚上所經營出的笑點，在拍攝階段被刪改、修掉是一件稀鬆平常的事。對編劇而言，這些修改增刪的行徑，一律稱之為「亂改」，因為編劇的苦心與手法沒有受到應有的理解與尊重，但「亂改」又如何？一旦「亂改」成為集體的風氣，便不能稱之為「亂改」了，不是嗎？包括導演、製作人、電視台，愛改就改；演員看似只需要照本宣科，但劇本往往為了演員而改。曾有一位編劇在三更半夜被叫醒，挨了一頓臭罵：「不要寫超過三行的台詞，因為田○○背不起來！」為了遷就演員「田○○」，給他的台詞不能超過三行，然而最後，「田○○」尚未走紅便退出戲劇圈了（連三行台詞都背不起來的演員，這種下場並不令人意外）。劇組領導者為了一位爛演員，竟如此踐踏編劇的專業，而這種作為不但羞辱了編劇，也羞辱了自己。

比起配音員的胡作非為，以上只是小巫見大巫。中國大陸的配音員為了使台詞聽起來更順，居然擅自作主，硬生生將畫面中的嘴唇灌進自己的話，編劇在戲播出以後認不出自己的劇本，也不足為奇了。

從前期的製作人到後製的配音員，是否能了解編劇也是創作者？「劇本是一劇之本」的漂亮話誰都會說，但每一次的修改，尤其是不明就裡的增刪，對於「一劇之本」的建立者而言都是無情的摧殘與鞭打。一名編劇說得好：「這便如同生了一個孩子卻被要求整型，為什麼？」

一冰箱的八寶粥

為了適應環境，編劇不得不練就一些劇本修改的技巧。修劇本的理由很多，例如演員的檔期。由於演員有檔期的困難，非離開劇組不可，這時演員所飾演的角色便必須「賜死」，令角色從劇中消失。「賜死」以外，諸如車禍、生病在遠方療養、去外地工作等都是慣用的手法。

「置入性行銷」也是另一個修劇本的理由。通常，編劇寫完劇本後，製作人才會拉到企業贊助，這時，為了迎合贊助商的需求，製作人會要求編劇將劇本增加「必要的元素」；它可能是某個場景，例如廠商鎖定的美麗大橋，或者是某件商品，例如八寶粥。這時，編劇便依其需要，安排女主角打開冰箱，使觀眾看見「一冰箱的八寶粥」。這種增加特定的商業元素看似容易，但編劇通常是在完稿以後被要求回頭去做「置入性行銷」，要找出適當的人物與情節點予以安插，寫作的阻力亦不算小。

除了來自於劇組以外的各種要求，編劇也要學習適應不同的劇組文化。例如某位名製作人的團隊喜歡抽菸，很多人經常聚在一處煙霧瀰漫的環境裡閒聊酒店的故事。但對於不抽菸或不喜歡聽酒店八卦的編劇而言，如果要想混口飯吃，便要想辦法適應這些雄性動物的氣味。此外，對於寫作風格，每一個編劇團隊也不盡相同，在講究重口味的環境中去堅持自我的清淡偏好，只會跟自己過不去。


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文字: 于善祿
網站: LULUSHARP
時間：2011年9月11日，週日19:30
地點：西門紅樓2樓劇場
演出：魚蹦興業《魚蹦中學》



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作者：鄒欣寧
網站: 欣寧的文字收納室

以下是今年藝穗節擔任看戲大隊寫心得的7齣戲。因臥病在床和記性差漏了2部，還看了大東的《壞鞋子》，但因不屬於看戲大隊的預訂節目，所以偷懶沒寫。整體心得是比去年首次當看戲大隊的經驗好，其一，這屆有許多臥虎藏龍的「資深新人」（比如大東就是）；其二，臥虎藏龍們對於表演有許多實驗性的實踐，從空間應用到演出的突破類別／型都是，無論喜不喜歡作品，這種試探摸索帶來的新鮮感，之於我都是快樂的。

我挑選節目的原則非常簡單，就是被節目冊裡的宣傳文字騙。但是，寫的太含糊、太情緒渲染的文案不選（表示年輕團隊很可能在寫的時候都還不知道自己要幹嘛）。幾乎避開所有經典文本的演出，這是去年被驚嚇多次習得的教訓（沒有足夠人生經驗生搬硬套寫實文本，往往造就一堆慘劇）。看到臥虎藏龍的名字幾乎都會選，因為踩地雷機率大減（陳韻如大東劉淑娟還有隱藏在團隊中的柯德峰和余彥芳）。可惜時間不允許的節目很多，能看的有限。還有一齣衝著小酒館表演而去的佛朗明哥表演，以及滿足窺淫癖的SM秀（現場還被顯然不是劇場咖的觀眾搭訕，也是個獨特的體驗）。

以下，7篇全記錄。

2011/09/10，臥龍貳玖，《蛇的練習》

這是一個聲音很多的演出。開場頗令人驚豔，以妓女、抽菸點出表演者的本質，令人期待接下來將呈現眼前的表演生涯；然而緊接著一場捷運上的生活小省思，又岔入另一條蹊徑。此後，表演者提供觀者大量的身段、聲音、情境表演，確可看見她的身／聲有大量且豐富的經驗與技巧累積，加上狹長可製造眾多表情的空間，以及大量的生活環境音效、不同語言的呢喃或歌唱，元素是很豐富，但演出整體始終壟罩在一團霧茫茫的空氣（或說氛圍）中。

末了，演員以將心掏出來送給所愛的人，表演者與觀者之間的關係不言而喻，卻徒然給我一種「你把心交給我，我卻不知自己為何被示愛」的尷尬。


2011/09/09，卡米地俱樂部，《你就是最佳SM男女主角》
看這個表演時，我必須不斷「位移」自己的觀看角度。多數時刻把自己當成觀看「邪典電影」(CULT FILM)的觀眾──不只因為演出的特殊題材，也才能把現場的整體氛圍包納進去，解釋我所感受到的一切。否則無以解釋，那種從排隊進場就瀰漫的特殊氣氛：一種同好參與祕儀般的感覺。演出從坐席間眾人彼此打量的目光就開始了。

也因為是邪典，很難用主流價值去衡量場上發生的一切是否「合乎專業表演」。儘管有著戲劇框架：一場SM電影的演員徵選會，但濃厚的奇觀或祕儀感，讓場上一切看似不專業的都成立：主持人假裝聲音時有時無的麥克風很正常。缺乏邏輯和連貫感的劇情。在這裡追究這些缺憾，就像問A片中的素人女優為什麼一直盯著鏡頭或進行奇怪的訪問一樣不必要。

演出以綁縛秀做為序曲，接著是不同的SM癖好以參加選角為由上場展現：打屁股與被打的；狗和調教師的角色扮演；鞭打、針刺、浸水......不同類型的施虐與被虐。串場的對話大多只為交代，於是真正的表演往往現身於痛苦／歡愉的製造過程中──表演者被虐時的肢體與面容，才是表演見真章的所在。

對我來說，最好看的兩個段落，是名為「小童」的女子和扮演她內在聲音的男裝女自敘為何成為被虐者的回憶，以及一個施虐女王其實想當被虐者，由另一女子充當施虐者的「圓夢過程」。前者在角色進行描述的表演極富說服力，可以感覺到被虐者「越痛越存在」幽闇深邃的內心。後者則是整場SM傾向奇觀而不見情慾的表演中，讓我感受到「那當中確實有慾望流動啊！」的段落，除了針刺見血的強烈感官印象，被虐表演者從面部到身體的表情是最令人印象深刻的。

然而回到對這個「表演」的建議或意見，我好奇的是，難道這樣的演出要具備戲劇框架，就只能套用「A片導演徵選演員」這樣的方式嗎？確實這個設定能滿足全體窺淫的目的，但總覺得太理所當然了，也不夠「在地」。找到一個更合適的戲劇框架，也許是表演團體想繼續朝向「專業演出」可好好考慮的。
  
2011/09/02，廢墟學院，《SQUAT臨蹲》

這場表演創造的觀眾、空間、表演者三方關係非常吸引人。從展覽到表演、從觀看到互動，循序漸進的設計，加上觀眾在大多時刻可隨意走動、自由選擇和表演（者）之間的關係，是令人難忘的經驗。

二樓關於空間歷史與使用權力的展覽銜接到男女表演者的肢體表演，是我感覺較有連結性的段落。表演者之間推擠抗衡的鬆緊拿捏得宜（再多一點就會掉進「只有」性別暴力的詮釋），壓抑的逼仄，讓人看得喘不過氣。

三樓單眼雙身女子的表演和音樂表演，雖也有意思，但與前面的演出關聯性斷了線，導致整場演出雖照顧了觀眾在觀看歷程中的感受，但最終欠缺一個整體概念的指向，是我認為比較可惜的。

2011/09/01 ，臺北國際藝術村屋頂，《看見》

開場三個舞者玩弄桌燈的明暗和彼此關係，表演空間四周除了舞台燈光外，也裝置了日光燈、立燈、小桌燈等，以燈暗示觀眾「看見」的主題。舞者的肢體似在尋找移動的可能，最終變成街舞似的動作，但中間多次穿插「在繪製的框框裡有限舞動」的片段。在舞蹈之外，中間還穿插了一段魔術表演。

看見／看不見、真實／幻象、藝術／表演、動作／舞蹈、框架內／外......感覺得出創作者想處理、表達的議題，可惜線索太枝節蔓生，模糊了焦點，雖然形式有趣、舞者陳韻如的肢體表現秀異，但看完演出，對於「我看見了什麼」，難免有蜻蜓點水、不著邊際之感，可惜。

2011/08/31 ，學校咖啡，《譜》

這是一場令我錯覺在舞蹈系教室看學生排練的演出。工作人員在開演前仍穿過舞台到後方的門內放鞋子。我以為這是表演但不是。舞者出場後，上下場的門依然開著，持續干擾整體視覺--而這不是刻意為之的實驗或表演的一部分。

內容是三段現場鋼琴伴奏的舞蹈，各自沒有相關性。第一段是童歌組曲，女舞者展現一系列動作組合；第二段是男女雙人舞，第三段看似舞者在場上進行一場即興演出。從音樂到舞蹈身體到作品，我看不出關聯性，想問的是：除了展現你們是能跳舞的舞者之外，你們還想對世界訴說什麼以至於得做這個作品？除了身體之外，你們在乎從觀眾的位置看見什麼嗎？

唯一的男舞者無論肢體和情感的表現力皆屬鶴立雞群，卻也曝露了演出整體的嚴重失衡。

2011/08/30 ，貳拾陸巷，《歌唱小酒館》

這是一個漸入佳境，結尾卻讓觀眾跌到地上的表演。非常可惜。

一齣舞劇，講的是小酒館裡，老闆娘、OL、龐克少女「愛到卡慘死」所以歌舞明志、療傷的故事。舞劇難在舞者不只舞藝精湛，還要會演；編導也得有將舞蹈揉進劇情、角色而不突兀斷裂的能力。前半段舞者演戲時，令人坐立不安，但中段OL喝醉後的狂舞段落開始則令人驚喜──短髮幹練的OL舞者形象固然不同於身著紅色衫裙、給人傳統佛朗明哥印象的老闆娘，卻能結合個人的喜劇質地，顛覆佛朗明哥陰鬱濃重的情調，呈現出歡快、有台北氣質的佛朗明哥。接著上場的龐克少女也能跳出有角色性格的舞，可惜老闆娘在旁互動，酒醉瘋癲有餘，卻看不出情緒和戲在哪裡，削弱了張力。

結尾三位跳舞洩憤的女人下場，歌者和樂手一句：人都跑光了嗎？便無厘頭起身散場，我聽到好幾位觀眾低呼：怎麼這樣結束？？前面營造的酒館戲劇氣氛盡毀，一齣舞「劇」，恐怕還是得多花心思，謹慎布局，而場上眾人都是舞劇的表演者，切莫放空恍神，台下觀眾眼睛很尖的！

2011/08/29 ，Gallery，《10 SEC》

我必須說，是欣賞編導概念和勇氣的。而演出前的宣告：「觀眾如有3G手機可隨時上網登入臉書與演員互動」，對我來說無疑水果攤高呼「不甜退錢！」，更是篤定的魄力。（或我過分解讀了創作者意圖？）

創作者若非對存在於劇場的現場表演非常信任，就是連劇場之所以抓住觀眾的元素都想拿來革命、拿來質疑。

劇情很簡單：三個遭受情傷角色在各自房間裡上臉書、開視訊和網友互相嘴砲冷笑話取暖，但最終，語言的力量無法消解失落感。他們甚至不在現實中認識彼此。

我最大的質疑是，一定要虛擬三個「寫實人物」嗎？以演出效果來看，就算被置換為三個北藝大戲劇系的學生也成立──演員的身體質地、臉書上曝露的生活面向和劇情，都無法支撐角色、使角色和表演具說服力。

當創作者順應潮流、針砭時勢地把網路／臉書迎入劇場，卻低估了它們作為角色對現場表演的拉鋸力，會發生什麼事情呢？

我坦白招認，並不知道劇中人「王小明」怎麼從讓三人情傷角色變成他們八卦的社會新聞對象，因為當演員們丟出這「重要」資訊時，我正在臉書上打卡（「藝穗中～」），然後瀏覽角色們不太豐富的塗鴉牆（公開的角色自傳作業）。作為這樣的劇場觀眾，我毫無罪惡感，卻一點也不開心起來。

由衷希望持續為此形式找到更成功的手法，加油！

P.S請慎重考慮有大量旁白卻沒有好的音響／播放空間會給觀眾帶來的不悅感受。

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